Clásico admirado # 2 / Billy Bond X 2

Año 1971. Se edita el primer disco de uno de los proyectos musicales que hizo escuela dentro del rock argentino. Hablamos de Billy bond y la pesada del rock and roll. El viejo Billy Bond, un italiano que emigró a la Argentina y en realidad se llama Giuliano Canterini, fue el padre de una agrupación cuya característica primordial era que sus integrantes no eran fijos (es más, se comenta que casi se podía entrar y salir a placer).

La pesada del rock and roll se dió el gusto de combinar en un mismo trabajo a Pappo y a Luis Alberto Spinetta, y, como si fuese poco, a tener importantes aportes de Pajarito Zaguri, Alejandro Medina, Claudio Gabis y Javier Martínez (el trio Manal), Black Amaya, David Lebón y hasta el mismísimo Charly García (en ese entonces aún Charlie).

Dos de los máximos sucesos musicales de la banda fueron sin dudas "Salgan al sol" (firmada por Javier Martínez) y "Tontos", tema incluído en la operita lanzada a finales de 1972. El primer tema, que formaba parte del disco debut de la pesada, ejemplificaba al máximo el orgullo de todo rebelde que se llamara a sí mismo "rockero" y viese su figura y postura hacia la vida contrapuesta con la comodidad burguesa. En este sentido, frases célebres del rock argentino como "salgan al sol, idiotas", o "salgan al sol, paquetes" resumen en pocas palabras un sentimiento claro y contundente.

"Tontos" se suma, sin duda alguna, a la tónica del "Salgan al sol" y deja bien claro que a la hora de criticar no hay nadie que quede excento, y que todo es en realidad una cuestión más asociada a la actitud que a lo que se aparenta ser (Existen tontos tontos / tan solo tontos / Ya sean hippies hippies / o tipos de chalecos cortos).

La impronta, el sonido y la actitud que Billy bond y la pesada dejaron sobre el rock argentino son incuestionables. Y más allá de las influencias específicamente musicales, todo músico posterior al proyecto del gran Canterini se vió cautivado por sus básicas notas, y su estilo sencillo. Así, no es raro que el trío rockero por excelencia de la actualidad y de la década pasada le haya regalado su forma de interpretar uno de los clásicos más inolvidables.

Divididos homenajeó a la pesada en su disco de 1998, Gol de mujer. Allí, llegando al fin del mismo, se puede escuchar una pieza corta de "Salgan al sol", interpretada de manera frenética y sumamente rockera. La voz de Mollo, conjugada a su guitarra y el acompañamiento armónico (raro, ¡tanta armonía dentro de tanto sonido!) del bajo de Arnedo y la bateria de Araujo hacen de este cover del clásico de la pesada una logradísma versión.

Por su parte, "Tontos" también tendría su merecida mensión en un disco de otro artista del rock argentino que es decididamente una sumatoria de canciones que marcaron al personaje en cuestión. Durante el año pasado, Ricardo Iorio se hizo un tiempo para grabar su primer álbum solista, "Ayer deseo, hoy realidad", en el que homenajea a aquellas melodías que escuchó durante su adolescencia.

Como no podía ser de otra manera, la versión del líder de Almafuerte suena con más fuerza que la original y la cosa cambia definitivamente, en relación con el clásico, cuando Ricardo comienza a cantar (algo lógico). No obstante, "Tontos" no pierde su esencia, y el resultado (como varias de las reversiones dentro del disco) es más que satisfactorio.

De esta forma pasaba en el Está en vos 92/6 el segundo Clásico admirado del ciclo dentro de la TL. Esta vez, entonces, le tocó a Billy bond y la pesada del rock and roll, y por partida doble. Bien merecido lo tiene la banda del tano Canterini, que desde hace más de 3 décadas se la pasa en Brasil, produciento espectáculos.

Por Santi Grandi & Chueco García

Pinchando con Blind Melon

El licenciado Gall Costa se puso la camiseta de pinchador de discos oficial y, ante la ausencia de Fonti, tomará la riendas de la parte musical del programa. En su primer envio la banda elegida será Blind melon, la agrupación liderada por Shannon Hoon que terminaría su etapa más prolifera precisamente cuando su vida llegaría a su fin, después de muchos años de drogas y una noche fatal, con demasiada cocaína de compañia.

Blind melon constituye uno de esos ejemplos de bandas que marcaron su época, a pesar de haber grabado increiblemente poco (tengamos en cuenta que sólo dos discos fueron editados mientras Hoon vivia). La sensación de querer saber qué hubiese pasado sino se encontraban con el trágico final de su líder y cantante se emparenta con muchas de aquella época. ¿Qué hubiese sido de la música estadounidense a partir de mediado de los 90 si tipos como Cobain o, claro, Shannon Hoon no morían? Nunca se sabrá, y eso dá bronca.

Pero también podemos evitar tomar ese camino, escuchar y valorar lo grandioso que sí llegaron a grabar. En este sentido, Blind melon regaló tres discos (el último, Nico, lanzado luego de la muerte de Hoon) en los que fueron matizando estilos, cambiando formas, pero siempre evolucionando. El debut discográfico de 1992 contó, claro, con el empuje mediático de "No rain", uno de esos videos que MTV debe haber pasado hasta quemar la cinta del
tape.

El sonido de Soup, segunda placa y en la que se centrará la mayor parte de las pinchaduras del licenciado en el programa de mañana, es sin dudas más logrado y se nota una maduración, más allá de que la tendencia se aleje del folk y cierta psicodelia del debut para mezclarse con fórmulas más entonadas con el rock alternativo.. Galaxie, el tema que subimos más abajo y el elegido por Gall Costa para sonar, da cuenta de ello.

Sin dudas Blind melon es una banda que sin Shannon Hoon nunca hubiese sido lo que fue, y las posteriores reuniones del grupo (o intentos) dan cuenta de ello. La gran voz del flaco de pelos largos y asombrosa tendencia a autodestruirse fue incluso comparada con la de Janis Joplin (estableciendo un parangón con una de las voces femeninas del rock psicodelico de los 60 más emblemáticas).

A pesar de todo, los miembros de Blind melon siguieron adelante, al principio con proyectos personales y actualmente con un nuevo disco de la agrupación. "For my friends" vio la luz en abril de 2008, contando con la voz del cantante Travis Warren.

Si bien, al parecer, Warren ya dijo adiós, la banda ya ha comenzado a buscar un reemplazante para seguir presentando este trabajo que constituye el primero desde el ya citado "Nico", de 1996.

De esta manera, Blind melon se transformará en la primer banda que será protagonista de "Pinchando con el licenciado", una propuesta más de Está en vos para que siga sonando la mejor música que se pueda, mientras estamos en el aire a través de la TL.




Por Santi Grandi & Chueco García.

Clásico admirado # 1 / "You really got me"

"You Really Got Me" es una canción de The Kinks, banda británica de los 60, escrita por uno de sus lideres Ray Davies. El tema llegó al puesto número uno del UK singles chart, con lo cuál la explosión de la banda fue instantánea e incluso los llevó, en un período de tiempo, a disputarle el segundo puesto de relevancia a los Rolling Stones (desde luego los primeros eran Los Beatles).

La base del tema se sustenta en el riff ejecutado por el guitarrista Dave Davies, hermano de Ray. En el podemos escuchar las primeras reminiscencias de estilos que harian furor en años posteriores, como el hard rock, heavy metal o el mismo punk.

El sonido de la guitarra, distorcionado y por demás innovador para la época, se debe en gran parte al afán de experimentar del guitarrista Dave Davies. Resulta que al muchacho no le gustaba para nada el sonido que salia de su amplificador, y decidió tomar una hoja de afeitar y cortar los parlantes, para ver qué pasaba. El resultado es el clásico riff con el que el tema arranca y continua durante más de 2 minutos.

Muchos atribuyen el inconfundible sonido de aquel riff a la presencia de Jimmy Page en las sesiones de grabaciones de The Kinks, y hay algunos que hasta han deslizado la posibilidad que el solo haya sido realizado por el años más tarde sensacional guitarrista de Led Zeppelin. Claro que esto queda como una más de las tantas leyendas del rock y no hay motivos para pensar que el mismo no fue realizado por un Dave Davies que, aún siendo muy jóven (17 años), ya demostraba su enorme capacidad para tocar la guitarra.

"You really got me" fue grabado en el verano del 64, cuando la discográfica apuraba a The Kinks para que saquen un sencillo que encontrara su lugar en los charts luego de dos frustrados primeros intentos.

Versión de Van Halen

La banda formada por los hermanos Eddie y Alex Van Halen incluyeron un cover de "You really got me" en su primer placa de 1978, que llevó por título el mismo nombre de la banda. Catorce años después de que The Kinks grabara la versión original, esta banda formada por dos hermanos holandeses emigrados a California, Michael Anthony y el carismático David Lee Roth, decidió grabar la que para muchos es la más lograda re-versión del tema.

Toda la grabación de Van Halen (el disco) incluyó la utilización de una nueva técnica para tocar los solos de guitarra, el denominado Tapping, que consiste en usar las dos manos sobre el mástil de la guitarra. Dicha técnica fue popularizada por Eddie Van Halen, si bien ya existía.

Se dice que el cover de "You really got me" le dió a Van Halen el golpe justo para empezar a hacerse escuchar y que le singnificaría el pasaporte directo a la fama. Si bien la banda daría sobradas muestras en años posteriores de todo lo que tenia para ofrecer musicalmente para ocupar el lugar de privilegio que tiene hoy día, muchos se animan a marcar en esta re-versión del tema como el motivo principal de la popularidad que consiguieron en aquellos primeros años.

Versión de Massacre:

La eterna banda de culto argentina, Massacre, tiene dentro de su repertorio de temas varios covers. En su primer e historico "obras" (recital realizado en junio de este año), la banda de Walas y compañia cerró su extenso repertorio de más de 30 canciones con una potente versión de "You really got me", ejecutada a la perfección por el recuperado guitarrista Federico "Fico" Piskorz.

La versión de Massacre fue la elegida por Está en vos para sonar completa, en el que fue el primer "Clásico admirado" de este nuevo ciclo. Siempre, presentado por CellShop (el anunciante fiel de Está en vos).



VIDEO THE KINKS:


VIDEO VAN HALEN:


Versión Massacre (no hay video, sí hay audio)



Homenaje interminable

El 24 de noviembre de 1991 moría en Londres Farrokh Bomi Bulsara, mundialmente conocido como Freddie Mercury. Cuatro años después de haberse enterado que tenia sida, enfermedad de la poco se conocía en aquellos tiempos, el cuerpo del líder de Queen decía basta. Tenía tan sólo 45 años.

Resulta admirable observar la manera en que Mercury encaró los últimos años de su vida, sabiendo que efectivamente serían los últimos. En este sentido, Innuendo, la última obra de Queen grabada y editada por Mercury, May, Deacon y Taylor (Made in heaven seria lanzado en 1995), se erige como una obra fenomenal desde cualquier punto de vista. Lanzado al mercado sólo 7 meses antes del fallecimiento de Freddie, demuestra la infinita capacidad artística y voluntad inquebrantable del personaje que le puso su voz extraordinaria y su carísma escénico inigualable a la banda británica más destacada, quizás, desde Los Beatles.

El tema que abre el disco, la fenomenal "Innuendo", es otro claro ejemplo de lo que antecede. Compuesta e ideada por Mercury y Taylor, la maravillosa obra que cuenta hasta con un solo de guitarra flamenca en la mitad misma, sólo se vería superada en brillantez por "Bohemian Rhapsody", y es quizás este el motivo por el cuál carece de tanta relevancia a la hora de seleccionar las mejores piezas musicales del siglo XX.

No sólo musicalmente el tema es una soberbia obra maestra. La letra, concreta, directa, le da la fuerza final:

INNUENDO (INSINUACIÓN)

Mientras el sol esté en el cielo y el desierto tenga arena
Mientras las olas rompan en el mar y se encuentren con la tierra
Mientras haya viento y las estrellas y el arco iris
Hasta que las montañas se desmoronen en la llanura
Oh si, nos mantendremos intentando
Pisar esa fina línea
Oh nos mantendremos intentando si
Simplemente pasando nuestro tiempo
Mientras vivamos de acuerdo a la raza, color o creencia
Mientras nos gobernemos por la locura ciega y pura codicia
Nuestras vidas dictadas por tradición, superstición, falsa religión
A través de la eternidad una y otra vez
Oh si, nos mantendremos intentando
Pisaremos esa fina línea
Oh oh, nos mantendremos intentando
Hasta el fin del tiempo
Hasta el fin del tiempo

A través de la pena y a través de nuestro esplendor
No tomes ofensa de mi insinuación

Puedes ser todo lo que quieras ser
Simplemente vuélvete tu mismo cualquier cosa que pienses
Tu siempre podrías ser
Ser libre con tu tiempo, ser libre, ser libre
Rinde tu ego - se libre, se libre tu mismo

Oooh, ooh -
Si hay un Dios o cualquier clase de justicia bajo el cielo
Si hay un punto, si hay una razón para vivir o morir
Si hay una respuesta a las preguntas hemos nacido para preguntar
Muéstrate a ti mismo - destruye nuestros miedos - libera tu máscara
Oh nos mantendremos intentando
Hey prueba esa elegante línea
Si, nos mantendremos sonrientes, si
Y lo que sea que pase, pasará
Simplemente nos mantendremos intentando
Simplemente nos mantendremos intentando
Hasta el fin del tiempo
Hasta el fin del tiempo
Hasta el fin del tiempo.

San Camaleón

Nacidos en el barrio de San Telmo y en plena selva urbana porteña han sabido mezclar a lo largo de su breve discografía variados géneros musicales de diversas regiones de Latinoamérica.

Como característica primordial para su supervivencia el Camaleón disfraza su torso de los colores donde posa su cuerpo, y de esa manera confunde a su victimario con el entorno. Éste confuso se pierde en busca de otros bocados.

En este caso San Camaleón aprendió del animal su capacidad de mimetizarse con su ambiente. Vistiéndose de lo que quiere cuando quiere nos desorienta, y no por su improvisación a la hora de hacerlo sino por la sorpresa que estalla de la forma tan natural en que aborda trajes de tan variada gama en una misma banda entre tanta monotonía rokera.

Desde un Samba Gualeguaychuense se puede ir a parar a algún tema influenciado por aires de nuestro Norte, hasta caer en un bajo Salsero que nos mueve el culo. Principalmente Sanca lleva impregnado un sonido Power cargado de guitarras potentes, bases sólidas y un piano original que se encuentra acompañado de letras directas y objetivas. Quizás incubadas en el periodo menemista y que coincidentemente revientan para el comienzo del nuevo milenio siendo su canción testigo del presente que los veía nacer.

San Camaleón recién comienza y se pasea por el Reino Musical con paciencia y a sabiendas de lo que hay en frente, voraces oídos en busca de nuevas presas.

Ya que estamos bajáte este tema, paisaje sonoro para esas tarde de verano donde te pudo esa pebeta, Mi Chica Peruana. O podés escucharte la letra de Pachamama sobre el Nuevo Mundo que no atiende el grito de la tierra…¡Uhh!

Como te llama? Albert Hammond Jr. 2008

El pibe de la guitarra al cuello de los The Strokes es el que lleva dos discos editados de manera solista.

Albert Hammond Jr. encara nuevamente el mercado musical con un trabajo que acompaña la nueva movida del Rock Internacional, iniciado por bandas inglesas como The Coral y The Kooks, y lo hace tanto como guitarrista de la banda neoyorquina como por su cuenta.

Como te llama? Es un disco con un claro concepto diagramado por guitarras rifferas que se atribuyen la melodía de la canción con naturalidad y pegadizos pasajes resueltos en estribillos creativos sin caer en lugares comunes. En este trabajo posterior a Yours to Keep, editado en el 2007, se puede notar el perfil sonoro que Albert Hammond Jr aporta a The Strokes completamente suelto y como cautelosamente va formando un sonido propio sin demasiados sacrificios musicales.

Se puede decir que esta entrega conserva el sentido minimalista del primero, y es ahora donde el portador de una característica porra se desenvuelve confiado frente al micrófono, pero sin ser ese el lugar donde más brilla.

Sin dudas que es un material original, pero aun sigue manteniendo el cordón umbilical con The Strokes.

Algunos de los tracks que no dan lugar a sospechar que Hammond comparte banda con Julián Carablancas son: Victor in Monterrey, Borrowed time- una reggae muy acertado-, el instrumental Spooky Couch y Well…all rigth, algo mas cercano al Folk.

Por ultimo, el guitarrista y cantante denota un claro desarrollo musical propio que de continuar así, lo difundirá en breve.

Youssou N´Dour y Neneh Cherry // Seven seconds

Youssou N´Dour y Neneh Cherry se unieron por única vez para cantar juntos "Seven seconds", en lo que fue un exitosísimo simple(desde cualquier punto de vista) editado en 1994. El tema permaneció medio año en los charts de una enorme cantidad de países de todo el mundo, liderando los mismos en el Reino Unido, Francia, Alemania, Australia, Rusia y Polonia. Fue en Francia más precisamente donde encontraría, no de casualidad, su mayor relevancia permaneciendo en el puesto 1 de singles durante 16 semanas, estableciendo récords para la época.

El tema, aunque su letra no tiene "directamente" ésta pretensión, se transforma en una especie de oda a las nacionalidades y razas, ya que es cantando por el senegalés N´dour y la sueca Cherry en wolof (principal lengua de Senegal), francés e inglés. Además, en el aclamadísimo video del mismo, imágenes de varias personas de diferentes razas son mostradas, mientras los dos cantan en un primer plano directo a cámara. Mientras se escucha el estribillo, diferentes clases de rostros aparecen en escena, siendo esta una idea luego reeditada por varios artistas en sus videos.

En cuanto a la letra, la misma Neneh Cherry explica: "Seven seconds trata sobre los primeros 7 segundos en la vida de un bebé recién nacido, quien desconoce de los problemas y la violencia que existen en nuestro mundo". Efectivamente la letra, comprometida como tantas otras en las que deja su sello el gran artista senegalés, habla a las claras de una cuestión que resulta simple de pensar y asumir, pero que con el tiempo indudablemente cambia. "Cuando un niño nace en éste mundo / no tiene ningún concepto / del tono de la piel en la que está viviendo", nos dice Cherry llegando al estribillo. "Y hay un millón de voces / Para decirte lo que deberías estar pensando / Así que mejor que tomes sobriedad por un segundo", cantan casi a duo, pisandose con sus voces N´dour y Cherry, dejando bien clarito cuál es el mensaje de esta maravillosa canción. Aunque, en una lirica realmente sin desperdicio, cobra también especial importancia una parte en la que se destaca una admirable pretensión:

"Deseo que las puertas estén completamente abiertas
a los amigos para hablar de su dolor y su alegría
de modo que podamos dar información
que no nos dividan para cambiar"

Youssou N´Dour junto a Neneh Cherry regalaron en 1994 esta enorme pieza musical, repleta de diversidad, aceptación y ánsias de superación. Desde Está en vos queríamos hacerles este homenaje, justo el día en que el cantante senegalés cumple 49 años.

Mención especial / Juana molina - Son

Juana Molina, "Son": Editado por la compañía discográfica Aqua en el 2006, este es el último de los 4 discos que mantiene Molina en su haber. Todos, correspondientes a esta nueva etapa musical que emprendió la artista que detesta ser definida como “rara”.

Quizás Son sea el producto mas fiel a su ideal sonoro proyectado desde su primer LP, y atravesando discos de su autoria como Segundo. En este ultimo material encontramos una Molina decidida, madura y aun fresca de ideas que desde el inicio de Son, monopoliza la atención y nos comienza a remolcar por los distintos juegos rítmicos que la artista expone durante el largo de 12 canciones.

Cada una de las partes del disco nos inunda en campos sonoros originales, artífices de sensaciones interiores sorpresivas. Es un disco habitado por cantos de pájaros y efectos bien conectados entre si, y a su vez dispuestos sobre la correcta presencia de instrumentos convencionales. La voz de Molina es la pieza perfectamente ubicada sobre esas bases, generando una naturalidad que solo ella es dueña.

Es la misma suavidad vocal, característica presente en los tres anteriores, la responsable de guiarnos entre las partes del disco, y es esa misma delicadeza quien suelta letras directas y sin demasiada profundidad literal, pero si en perfecta armonía con las melodías, permitiéndonos dar cuenta de las complejas y originales estructuras vocal-rítmica de Juana.

Un disco en el que uno participa inconscientemente, y descubre interiormente sensaciones no muchas veces alcanzadas por un disco contemporáneo.

Por Juan Manuel Fontana.

El clásico de la semana / La era de la boludez

Saber es saber relacionar, me dijeron muchas veces. Relacionar el título de un disco como "La era de la boludez" con el universo kitsh ante el que sucumbía la Argentina en los años 90 es un ejercicio sencillo para todo aquel que, con ojo sumamente crítico, recuerde lo que fue una década olvidable por donde se la mire. O quizás no del todo, ya que musicalmente existieron discos sencillamente impresionantes.

Divididos es un grupo de rock argentino. De rock latinoamericano. Eso queda claro a esta altura, en 2008, y con la agrupación que lideran Mollo y Arnedo como una de las más masivas y consagradas de los últimos tiempos. Pero en 1993 Divididos recién estaba terminando de salir de la sombra (enorme, por cierto) de Sumo y un tal Luca Prodan. Habian editado "Acariciando lo áspero" hacia unos años y así comenzaban a darle forma al ahora clásico sonido "Divididos".

Ese "clásico sonido", es un sonido bien de rock argentino. Esa rara mezcla entre un estilo musical creado por yanquis y adaptado a los más notables sonidos autóctonos, de nuestra tierra. En este sentido, vale aclarar, "La era de la boludez" se transformó para muchos en una contrafigura "nacional" ante tanta relación carnal con los patrones del norte, ante tanta falta de patriotismo y privatismo indiscriminado. Claro que el riesgo de que ese nacionalismo sea excacerbado existía, y Ricardo Mollo se tenia que encargar de dejar las cosas claras en entrevistas de aquella época: "La gente se apropió de Divididos para expresar algo que estaba latente. Cuando nos pusimos un poncho o subimos un caballo al escenario fue para provocar, no para mostrar patriotismo. Pero había una necesidad de identidad y el nacionalismo termina siendo el de la z , el que busca que se muera el otro".

"La era de la boludez" es un sensacional disco que me genera ganas de analizarlo desde la grandeza de su título, como lo destacado de su contenido musical. Para empezar por lo último, las canciones que lo componen se pelean por el título de "la mejor" de la obra. De todas maneras este calificativo, bajo un parámetro masivo, se lo llevaria "¿Qué ves?", descollante pieza en la que Divididos superpone un reggae con un ritmo 6 x 8, y cuenta con la soberbia colaboración de Gustavo Santaolalla en el charango.

Rock y música autóctona. La influencia de Santaolalla se sumó a la de Arnedo (hijo de un folclorista) y a la del batero Federico Gil Solá y así nacieron piezas como "Huelga de amores" y "Ortega y gases". "Indio dejá el mezcal", por su parte, integra una lirica claramente autóctona con una especie de jam psicodélica que termina conformando uno de los puntos más altos del disco.

La versión de "El arriero", tema eterno de Atahualpa Yupanqui, se suma a la larga lista de canciones de "La era de la boludez" que hablan a las claras del mote de disco "nacional". El tema, que cuenta casi con seguridad con alguno de los mejores solos de Mollo, comprende un blues cantado de una forma desgarradora que eriza la piel. Un clásico flolclore, versionado de tal forma que se transforma en otro nuevo clásico. Del rock.

El disco tiene todo. Porque el que quiere escuchar un rock potente cuenta con "Rasputin" o "Paisano de Hurlingham". Aquel al que le gusta ver a una banda mostrando sus tendencias más experimentales, se sentirá satisfecho cuando escuche "Tajo C" o el instrumental "Pestaña de camello". Y la variedad sigue, porque a "Dame un limón" se le suman temas con claras influencias funk, como "Salir a comprar" y "Salir a asustar".

La era de la boludez encierra en sí mismo a uno de los mejores discos de la década pasada, como a una de las mejores definiciones (cortita, precisa) de lo que fue la mentira menemista. La burbuja ante la que sucumbía todo un país decididamente no sedujo a todos, y había personajes que, aún en el apogeo máximo de amor al neolineralismo del riojano (año 1993), supieron leer la realidad. Mollo, Arnedo y compañia formaron parte de ese grupo que, para suerte de muchos, supieron lo que pasaba y salieron a gritarlo a los cuatro vientos.

Es por ello que Divididos con esta obra mostró mucho más que una excelente pieza repleta de rock, funk, y psicodelía mezclada con sonidos autóctonos. Divididos mostró, quizás sin buscarlo decididamente, otra forma de leer e interpretar al país y a la sociedad. Una suerte de antídoto al reinado de la estupidez. Una forma de contrarrestar el avance de la era de la boludez.

Por Santi Grandi & Chueco García.